Мистическое пространство театра

Окончание. Начало в предыдущем посте.

Театр как опыт погружения в ирреальность. Спектакль без слов — это не просто performance, а ритуал. Зрителю предлагается отключиться от привычных логических цепочек и войти в состояние, близкое к гоголевскому «туману», где реальность расплывается. Это не эпатаж ради эпатажа, а попытка вернуть театру магию, его способность становиться мистическим пространством.

Астраханский драматический театр не просто поставил повесть Гоголя «Нос» — он переосмыслил его как феномен пластического театра. В эпоху, когда текст зачастую теряет свою силу перед визуальным потоком, такой спектакль становится вызовом и ответом одновременно.

Это не просто интерпретация Гоголя — это диалог с современностью. Это не эпатаж — это попытка вернуть театру глубину, сделать его местом, где абсурд не смешит, а заставляет переживать.

Это не авангард ради авангарда — это возвращение к истокам, к тому, что делало Гоголя великим: способность показывать иррациональное через рациональное, смешное через трагическое, обыденное через сверхъестественное.

В конце концов, «Нос» — это не только повесть о потерянном органе, но и о потере самого себя. И если театр может передать эту боль без слов, то значит, он нашёл настоящий язык абсурда — язык тела и света, движения и молчания. И это, пожалуй, самое гоголевское, что можно сделать с его текстом.

Вот такие получились размышления после просмотра эскиза к спектаклю «Нос» в Астраханском драматическом театре и повторного прочтения повести Гоголя. Из текста произведения в постановке на сцене были только слова: «Марта 25 числа случилось в Петербурге необыкновенно странное происшествие». Остальное действо – это тучи пыли, когда со всего маху бросают на стол огромный фолиант, натуральный замес теста, как в видео фудблогеров, томный танец двух влюбленных, которые держат во рту одно яблоко (крепкое попалось яблоко – не съели, пока танцевали!), телодвижения и мимика актёров, изображающих асессора Ковалёва, цирюльника Ивана Яковлевича (цирюльник – это  парикмахер, барбер, кто не знает), подходящий реквизит – пластмассовый нос (и не один), темень и мистика сцены, живой человеческий звук, фортепиано, балалайки и аккордеона). Одним словом, мистерия по классике. Напомним, о чём уже сказали в своих заметках: Пушкин увидел в повести "Нос" «так много неожиданного, фантастического, весёлого и оригинального» и настоял на том, чтобы произведение напечатали в журнале "Современник", когда другие издатели отказывали в публикации. А оценка Пушкина для нас это всё.

Абсурд как язык тела: Гоголь и пластический театр

 «Нос» — сатирическая повесть Николая Васильевича Гоголя, написанная в 1832–1833 годах. Впервые опубликована в 1836 году в журнале «Современник» благодаря поддержке Александра Пушкина, который увидел в произведении «так много неожиданного, фантастического, весёлого и оригинального».

Повесть «Нос»  — одно из самых загадочных и абсурдных произведений русской литературы. На первый взгляд, это пародия на бытописательство, сатира на бюрократию и социальные условности, но на самом деле — это текст, в котором логика рассыпается, как песок сквозь пальцы. Герой, коллежский асессор Ковалёв, теряет нос, который обретает самостоятельное существование, а затем и собственную волю. Что это — всего лишь комический сюрреализм или глубинная аллегория о кризисе личности в обществе, где человек становится рабом правил, обычаев и своекорыстных инстинктов?

Гоголь сам называл свои произведения «вещами, которые не должны быть понятыми, а только почуятыми». «Нос» — это сновидение наяву, где реальность переворачивается, а обыденное становится невероятным. В этой повести абсурд не просто комический трюк, но способ показать искажённость мира, где человек теряет себя среди социальных масок, где даже физический орган (нос!) становится самостоятельной, почти живой сущностью.

Возможно ли воплощение абсурда без слов?

Решимся предположить, что (кстати, об этом говорили во время обсуждения после просмотра спектакля), когда Астраханский драматический театр поставил «Нос» как немое действо, где актёрская игра строится исключительно на пластике, мимике и телодвижении, он поставил перед собой непростую задачу: как передать абсурдную смысловую нагрузку без текста? Ведь Гоголь — мастер слова, его юмор, ирония и сатира живут именно в речевой игре, в каламбурах, в неожиданных поворотах фраз.

Однако театр нашёл выход.

Минимализм декораций (темнота сцены, игра света) создаёт атмосферу сновидения, где границы между реальностью и галлюцинацией стираются.

Пластика актёров становится языком абсурда: резкие движения, застывшие позы, повторяющиеся жесты — всё это может символизировать зацикленность Ковалёва на его потере, его отчаяние, его попытки вернуть потерянное.

«Тяжёлая» музыка и современная песня (вроде бы не к месту включённая в спектакль) добавляют эмоциональной напряжённости, делая абсурд не просто смешным, а трагикомическим, почти философским.

Свет как главный герой — он подчёркивает важные моменты, создаёт иллюзию движения носа, превращая его в самостоятельное существо.

Такой подход позволяет зрителям не логически разобраться, а пережить абсурд. Театр отказывается от рациональных объяснений и предлагает чувствовать, что и требовал Гоголь. Замечу, не всем зрителям понравился спектакль. Было высказано такое мнение: ничего не понял, не успел за действом, не разглядел детали. Заметим, к просмотру спектакля  такого формата  требуется подготовка. Нужно хотя бы прочитать повесть.

Сверхидея постановки. Позволю себе привести несколько найденных мною в Сети возможных интерпретаций замысла режиссёра.

Авангард как способ обновления классики. Гоголь сам был революционером в литературе, разрушившим устоявшиеся жанровые формы. Сегодняшний театр возвращается к его духу: классика переосмысляется через современные визуальные приёмы. Это не просто эпатаж, а попытка показать, что абсурд Гоголя актуален всегда — в эпоху социальных сетей, где личность тоже может «исчезать» за масками, где люди становятся рабами трендов, а физическое и психологическое «Я» раздваивается.

Театр как медитация над потерей идентичности. «Нос» — это история о том, как человек теряет себя в обществе. Сегодня, в эпоху цифровых аватаров и виртуальной реальности, вопрос идентичности более актуален, чем когда-либо. Спектакль без слов заставляет зрителя задуматься: а что, если мы тоже потеряли часть себя? Пластика актёров может символизировать раздвоение личности, её фрагментацию.

Абсурд как метафора современного мира. Гоголь творил в XIX веке, но его абсурд пророчески отражает XXI век: человек становится заложником систем (бюрократии, социальных сетей, потребления); личность растворяется в коллективном безумии (например, вирусные тренды, где люди подчиняются не своим желаниям, а чужому алгоритму); физическое и виртуальное перемешиваются (как нос Ковалёва обретает отдельное существование, так и сегодня часть нас живёт в Интернете). Окончание в следующем посте.

Дерзкий эксперимент на сцене Астраханского драматического театра -- повесть "Нос" почти без слов, через пластику, мимику и телодвижения

В завершение театрального сезона Астраханский драматический театр показал эскиз спектакля по повести Н.В. Гоголя "Нос". 

Это не классическая пьеса с диалогами — здесь пластические фантазии по мотивам повести Н. В. Гоголя. История рассказывается почти без слов: через движения, мимику и пластику тела. Режиссёр и хореограф — Анна Закусова (из Москвы). Проект создан в рамках лаборатории физического театра "АстраЛабиЯ".

Есть анонс на спектакль на всероссийском портале Культура.РФ  https://www.culture.ru/events/6856260/spektakl-nos

Я была на спектакле 25 июня. Показы запланированы также на 21  августа и 9 сентября 2026 года.

Что ещё интересно?
Шесть дней на создание эскиза.

Весь творческий процесс занял всего шесть дней — от первого знакомства режиссёра с труппой до финального показа. Такой сжатый хронометраж был не случайностью, а принципиальной установкой лаборатории.

Анна Закусова начала работу не с готового замысла, а с глубокой теоретической проработки. Артисты вместе с режиссёром разбирали, что такое «нос» для каждого из них. Это исследование стало фундаментом для пластических этюдов.

Физический театр — это такой же театр, как и любой другой. Но главным способом коммуникации со зрителем и внутри команды здесь является тело, телесность и движение. К примеру, очень эффектно передан первый сон Ковалёва -- про любовь.   Эпизод с яблоком — пара двигалась пластично, зажигательно и томно. Закушенное яблоко между ними стало единственной преградой, отсылая к ветхозаветной истории Адама и Евы. Это был намёк на первородный грех, потерю рая и начало человеческой драмы. Показано без пошлости и вульгарности. И очень красиво. 

Слова всё-таки были, но не полностью по тексту, а из критических статей о повести, замечаний автора -- своеобразный "идейно-тематический анализ" этой абсурдной повести Гоголя.

А ещё были элементы шоу (фокусы, например), музыка, которая заставляла  вздрагивать от того, что давила... и другая лирическая, мягкая песня Ваенги (да, да, в спектакле с таким сюжетом звучала современная песня!) в проникновенном исполнении актрисы театра. И тогда сердце замирало в наслаждении.

И наконец то, что меня "зацепило" с самого первого момента после того, как распахнулся занавес. Минимум декораций и затемнение сцены обеспечивали атмосферу таинственности и той самой фантастичности, которая так свойственна повести. Свет играл ключевую роль, расставляя акценты и направляя внимание зрителя, выхватывая важные детали из полумрака. Вот такая    атмосфера   минимализма. 

Заметки написаны на основе материалов из открытых источников. Фото по ссылке https://astrakult.ru/nos-bez-slov-kak-fizicheskij-teatr-prevratil-gogolevskuyu-satiru-v-plasticheskij-son/

По завершении показа состоялся открытый диалог с создателями — уникальная возможность обсудить увиденное, задать вопросы и заглянуть за кулисы творческого процесса. Было интересно. После просмотра, признаюсь, захотелось перечитать повесть. И ещё восхититься дерзостью служителей Мельпомены вот так изобретать разные экзерсисы/эскизы/этюды на потребу зрителям. Кстати, во время обсуждения были и такие высказывания: забавно, но ничего не понятно. Поэтому в следующем посте попытаюсь поразмышлять над повестью после её перечитывания и скорректировать свои впечатления после просмотра спектакля 25 числа.

Спектакль "Дракон" в Астраханском драматическом театре

В Астраханском драматическом татре состоялась аван-премьера спектакля по фантастической пьесе-сказке Евгения Шварца "Дракон". Аван-премьера — это предварительный показ спектакля. Премьера будет в августе.

Сначала о пьесе Е. Шварца ссылка

«Дракон» был задуман Шварцем ещё в 1939 году и закончен в 1943-м. Шла Великая Отечественная война, и авторский посыл, очевидно, считывался как политический памфлет на гитлеровскую Германию. «Дракон» был издан большим тиражом и рекомендован всеми цензорами к постановке как антифашистская пьеса. Однако Шварц как тонкий писатель, конечно, создавал неоднозначную литературу, и в этой сказке он зашифровал полифонию разных смыслов и аллегорий. Растущую популярность «Дракона» в театральных кругах неожиданно приостановили, и до воплощения на сцене дело долго не доходило.

Судьба пьесы в одночасье стала такой же мистической и загадочной, как в своё время роман Булгакова «Мастер и Маргарита». В период перестройки известнейший режиссёр Марк Захаров экранизировал «Дракона» и во многом ложно интерпретировал восприятие главной темы пьесы как борьбу с собственной властью.

«Дракон» — не так прост, как может показаться с первого взгляда. Количество подтекстов, вторых, третьих планов и разнообразных слоёв в нём очень велико. Самое простое и ошибочное — взглянуть на пьесу как исключительно на политическую. «Дракон» — одно из сложнейших, философских и неоднозначных творений Евгения Львовича Шварца. В основе сюжета — миф о драконе, которого невозможно победить — ибо победитель сам обращается в дракона.

Странствующий герой Ланцелот — рыцарь без кольчуги и меча, но с отвагой в сердце попадает в город, где четыреста лет властвует страшное трехглавое чудовище. Каждый год он забирает самую красивую девушку. Ланцелот вызывает Дракона на бой, побеждает его и освобождает город. Но тут и начинается самое интересное, ибо источником зла оказывается-то был не Дракон, и Ланцелоту предстоит новый бой, в котором уже не помогут ни меч, ни кольчуга.

Главный вопрос, которым задаётся наш театр – что такое сегодняшний Дракон для нас? Режиссёр максимально не пытается политизировать пьесу и решает главный конфликт произведения, как вопрос выбора истинной веры или искажённой, перевёрнутой идеологии. Что такое свобода и где её границы?

Люди, спасённые героем, полагают жизнь под властью Дракона вполне терпимой, каждый надеется, что хуже не будет. Герой с удивлением обнаруживает — для того, чтобы освободить людей, убить дракона недостаточно. Несмотря на всю остроту темы, в пьесе есть место мелодраматической линии Ланцелота и спасаемой девушки Эльзы, а мастерский сатирический текст диалогов Шварца наделяет юмором и иронией все описываемые события.

Спектакль «Дракон» — это первая масштабная работа художественного руководителя театра Владимира Александровича Кузнецова. В постановке занята большая часть труппы театра.

Одна из трёх голов Дракона. Каждую голову играет в спектакле  отдельный актёр

Все три "головы"

Победитель Драконв рыцарь Ланцелот

Фото из открытых источников

Окончание следует. Я была на аван-премьере. В следующем посте делюсь своими размышлениями  после просмотра спектакля.

"Рассказы о любви": премьера в Астраханском драматическом театре

Вчера были в Астраханском драматическом театре на премьере спектакля "Рассказы о любви"

Литературной основой спектакля стали рассказы Василия Шукшина «Раскас», «Степкина любовь», «Беспалый», «Сапожки», «Осенью». Перед зрителями развернутся пять историй людей советской эпохи, полных ярких человеческих эмоций и переживаний.

Очень понравилось. Возвращение к традиционным постановкам, когда актёры играют обычных людей со всеми их страстями и переживаниями. И у них это получается хорошо, по Станиславскому; веришь тому, что происходит на сцене.

Пожалуй, Шукшин для меня раскрылся по-новому. Стоит перечитать его рассказы.

"Записки военного корреспондента" на сцене Астраханского драматического театра

 Вчера была в нашем драматическом театре на премьере спектакля "Записки военного корреспондента".

Сначала справка из Википедии.

«Двадцать дней без войны» — советский художественный фильм 1976 года режиссёра Алексея Германа. Сценарий картины был написан Константином Симоновым на основе одноимённой повести из цикла «Из записок Лопатина», позднее включённой автором в состав романа «Так называемая личная жизнь» как его вторая часть.

Немолодой писатель Василий Николаевич Лопатин (Юрий Никулин), во время войны ставший корреспондентом «Красной звезды», по дороге из Москвы в очередную командировку на фронт, в район боёв на Кавказе, делает по приказу главного редактора большой крюк. Сначала он едет в глубокий тыл, в Ташкент — чтобы проконсультировать на месте съёмочную группу, работающую над фильмом по его сталинградским очеркам, навестить семью погибшего сослуживца Рубцова, встретить новый 1943 год, пережить недолгую, яркую любовь… Словом, прожить 20 дней без войны.

Изменение названия  «20 дней без войны» на «Записки военного корреспондента» связано с желанием сделать акцент на личности и деятельности военного корреспондента, его личных переживаниях и восприятии войны. Как сказал в интервью режиссёр-постановщик Андрей Черпин: "Учитывая пожелания наследников автора, чтобы избежать прямых ассоциаций с одноимённым фильмом Алексея Германа, переименовали его в «Записки военного корреспондента». Это название также соответствует жанру нашего спектакля". Оно  более точно отражает внутренний мир главного героя, его взгляд на события и его роль в освещении войны. Также, возможно, новое название было призвано привлечь более широкую аудиторию, избегая прямого указания на конкретный период боевых действий.

Василий Лопатин и его возлюбленная Ника

Василий Лопатин и его жена Ксения

Теперь о вчерашнем спектакле. В нём была показана война: грохотали взрывы, рвались снаряды, демонстрировались кадры кинохроники боёв и зверств фашистов на оккупированных территориях. Однако основное внимание зрителей было сосредоточено на главном герое и его окружении, на его чувствах, переживаниях, восприятии войны, на том, о чём писать во время военных действий: только ли о подвигах и героизме бойцов или и о любви тоже, о разлуке, предательстве и изменах. Измене Родины и  изменах жизненных, женой мужу, например. Актёры старались всё это передать как можно живее и правдивее. Но, по-моему, постановке не хватало динамичности, некоторые сцены казались затянутыми. (Оговорюсь, это моё субъективное мнение). 

Любовная тема в творчестве и биографии Симонова выражается особенно ярко в стихах. В романе "Так называемая личная жизнь" он оставил эту сторону за скобками. Отголоски отношений двух блестящих людей эпохи – самого известного спецкора страны и кинозвезды - можно обнаружить в спектакле. В романе «Так называемая личная жизнь» какие-то черты Серовой достались жене Лопатина Ксении, другие штрихи легендарной актрисы проступают в образе новой любви главного героя – Ники. В спектакле  любовная тема раскрывается в соответствии с романным сюжетом.

В спектакле звучала сответствующая моменту музыка: марши, военные песни (одну из них -- "Тёмную ночь" -- потрясающе  спел совсем юный участник спектакля в финале), а также музыка Вагнера и немецкий шансон (немцы, отступая из Феодосии, побросали свои архивы, ящики с продовольствием и пластинки), музыка композитора эпохи барокко Генри Пёрселла и полонез из оперы Чайковского «Евгений Онегин», народные песни. И представьте себе, всё это к месту. И очень эффектно. Сценография, как теперь принято в театре, была минималистическая. Впрочем, зритель к этому уже привык.

В зале было совсем мало пустых мест, публика была благодарная, хотя и сдержанная на аплодисменты в процессе спектакля. Может, из-за строгости содержания и из-за того, что спектакль, как и тот старый фильм, "против фальшака войны на экране" и на сцене. 

Образ Василия Лопатина в спектакле воплотил Дмитрий Карыгин. В роли его жены Ксении зрители увидели Виолетту Власенко, а возлюбленной Ники – Наталью Дрожжак. Роли в спектакле исполняют: заслуженные артисты России Павел Ондрин и Валерий Штепин, заслуженная артистка Астраханской области Екатерина Спирина, актёры Наталья Вавилина, Алексей Кульчанов, Довуд Самадов, Олег Комаров, Константин Кузьмин, Екатерина Сиротина, Иван Быков, Елизавета Смирнова, Валерий Комаристый, Игорь Вакулин, Галина Лавриненко, Пётр Соломонов.

Использованы материалы из интервью с Андреем Черпиным ссылка 

"Евгений Онегин". Экскурсия по страницам бессмертного романа и стихам поэта

Вчера снова была в театре. На премьере спектакля "Евгений Онегин" в Астраханском драматическом театре. Пояснение к названию было такое: экскурсия по страницам бессмертного романа и стихам поэта.

Труппа преподнесла творчество А.С. Пушкина оригинально, соединив пушкинское и наше время, введя в действие танцы, пантомиму, песни и музыку разных жанров. Артисты у нас красивые, Костюмы и классические из пушкинской эпохи, и современные. И этот приём -- делать селфи -- он присутствует почти в каждом спектакле нашего театра.

Стихи бессмертны и в памяти у нас навечно. Я никак не могла избавиться от желания продолжить в уме или закончить начатую актёром стихотворную фразу.

Справедливости ради надо сказать, что порой  во время спектакля пробивалась пошлость, игра была на грани фола. Но безвкусицу сейчас оправдывают, мол, тем, что царит она кругом и всюду. Она -- это то, что мы заслужили. Не согласна с таким мнением.

На все три премьерных спектакля билеты раскуплены полностью. Так в Астрахани отмечаем пушкинский юбилей. А театр мы любим исподволь. Он вдохновляет, облагораживает, в нём перезагружаешься от повседневных дел и суеты. Народ кругом. Мне это тоже нравится. Не забываем ещё и о романтике театрального буфета...

https://vk.com/video-13999788_456239696 видео выхода исполнителей на поклон

Ах, Шекспир, Шекспир... в контексте современной действительности

     Вчера смотрела в нашем театре  трагедию "Макбет" в постановке Ульяновского театра драмы имени И.А. Гончарова. Это, конечно, не Шекспир, а по Шекспиру. Как сказано, в небольшой заметке в Дзене: "Гастроли стартуют 7 июня с показа шекспировской трагедии «Макбет», полной мистической подоплёки, тонкого психологизма и страстной одержимости. История генерала Макбета, поддавшегося на соблазн тёмных сил, чтобы завладеть безграничной властью, предстанет перед зрителями в контексте современной действительности с использованием новейших технических возможностей." Вот именно "в контексте современной действительности." На мой вкус, не совсем удачно, точнее, непонятно. Даже зрителю, который читал пьесу. Много символов из нашей действительности (садовый шланг, из которого периодически, как из брандспойта, поливают героев водой, к примеру; оцинкованные вёдра; бедный, измученный рояль, на котором то лежат, то на который со всего маху  валятся прямо на клавиши, то немилосердно стучат по нему ведьмы/ассистентки режиссёра по сценарию пьесы). Понятно, что героиня -- леди Макбет -- с остервенением пытается отмыть руки от крови, черпая воду из лужи, -- эта сцена есть в оригинале пьесы. Однако, на мой взгляд, всё это неоправданный перебор. Впрочем, о вкусах не спорят... Дикция у актёров плохая -- вот беда.

    Астраханские зрители -- люди благодарные и благородные. Спектакль приняли хорошо, актёров наградили аплодисментами.

Картинки из Интернета.

"Анна в тропиках" -- премьера в Астраханском драматическом театре

     Вчера посмотрела спектакль "Анна в тропиках" в нашем драматическом театре. После нескольких неудачных, на мой взгляд, постановок театра по классическим литературным произведениям ожидания были весьма скептические. Вчера труппа себя реабилитировала. Спектакль получился интересным, живым, ироничным, страстным... про любовь. Про любовь, сыгранную естественно,  красиво. Чувствовалось, как актёры вжились в образы своих героев и играли, как мне показалось, с удовольствием, самозабвенно. Чёткая сценическая речь, замечательная  музыка, живой голос певицы и игра вживую пианиста, отточенная пластика танцоров, почти цирковой трюк на лентах, стильные костюмы, ну, разумеется, захватывающий сюжет -- всё это, чувствуется, понравилось зрителям. А мне особенно понравилось то, что со сцены звучал текст из "Анны Карениной". Американский драматург кубинского происхождения (автор пьесы) Нило Круз выступил здесь настоящим пропагандистом русской классики. А астраханские  артисты очень удачно сумели донести это до своих земляков. Думаю, многим из зрителей захотелось после  спектакля открыть роман Толстого.

        Далее размещаю подборку о спектакле. Повторно его покажут в середине мая.

  «Анна в тропиках» — постановка художественного руководителя Астраханского драматического театра, заслуженного артиста России Александра Анатольевича Огарева по пьесе Нило Круза. В 2003 году Круз получил за нее Пулитцеровскую премию.

    Действие «Анны в тропиках» происходит в 1929 году на семейной табачной фабрике в небольшом провинциальном городке в штате Флорида. По традиции процесс скручивания сигар сопровождается на фабрике чтением романов. И вот на фабрику приезжает новый чтец — образованный и элегантный молодой иностранец. Для чтения он выбирает «Анну Каренину», и это производит невероятный эффект. Работники фабрики погружаются в атмосферу романа, начинают проживать его, проецировать на себя судьбы героев, страсти толстовского романа вплетаются в их жизни и меняют ее течение. Первая же глава возбуждает чувства крутильщиков сигар до предела: семейные пары заводят откровенные разговоры, все мечтают о безумной любви. Русская зима со страниц книги приходит в самый солнечный штат Америки, и, конечно, как бывает в латиноамериканских романах, кто-то из участников игры должен умереть. Источник 

    Каким представляется роман обычным работникам фабрики, крутящим сигары, кто из героев прав и в чем мораль произведения? Этот конфликт проходит красной нитью сквозь пьесу и встречается во всем — и в спорах над романом после традиционного вечернего чтения, и в поступках главных героев. Литературу (а может, и саму жизнь) надо чувствовать или понимать? Любовь Анны — это дар или проклятье? Русская культура через великий роман проникает в жизнь кубинцев, пронизывает ее. Страстный южный колорит встречает глубокий холодный русский север, столь же противоречивый и импульсивный внутри. В этой пьесе нет шаблонов и стереотипов, есть общая тонко чувствующая и жаждущая жизни душа. Прочитать дальше

ссылка

"Братья Карамазовы" в Астраханском драматическом театре

Это, несомненно, большое событие в жизни нашего города -- провинциального по месту положения и уровню жизни, но далеко не такового по уровню культурной жизни. Неделю назад у нас открылся фестиваль симфонической музыки, и в Кремле, на вольном воздухе, звучала кантата А. Прокофьева "Александр Невский". Вчера и позавчера в драматическом театре была премьера спектакля "Братья Карамазовы".

Поставил спектакль заслуженный артист России Александр Огарёв. Он у нас новый художественный руководитель театра.

Зрителям представлено прочтение  романа Ф.И. Достоевского в современной трактовке. В спектакле  используются элементы восточных единоборств и танцы, видеопроекции, современная музыка и стихи армянского поэта и философа 11 века Григора Никараци. Декорации минимальные и не отвлекают излишне внимание зрителей, а  служат для того, чтобы выявить или подчеркнуть основные смыслы сцен. Есть сцены на грани фола: Дмитрий Карамазов в первом действии уходит за видимую зрителю кулису... помочиться, а потом его догола раздевает следователь Нелюдов.

На грани и страсти, которые кипят на сцене. Актёрам, на мой взгляд, удалось передать  всю их глубину по-достоевски. Усиливалось. такое впечатление очень характерными танцами артистов.

Спектакль номинирован на премию "Золотая маска". Мне кажется, он такой награды достоин. 

Кстати, я бы посмотрела "Братьев Карамазовых" в нашем театре ещё раз.

(Фото взято из Интернета, Снимать в зале нельзя).