Мистическое пространство театра

Окончание. Начало в предыдущем посте.

Театр как опыт погружения в ирреальность. Спектакль без слов — это не просто performance, а ритуал. Зрителю предлагается отключиться от привычных логических цепочек и войти в состояние, близкое к гоголевскому «туману», где реальность расплывается. Это не эпатаж ради эпатажа, а попытка вернуть театру магию, его способность становиться мистическим пространством.

Астраханский драматический театр не просто поставил повесть Гоголя «Нос» — он переосмыслил его как феномен пластического театра. В эпоху, когда текст зачастую теряет свою силу перед визуальным потоком, такой спектакль становится вызовом и ответом одновременно.

Это не просто интерпретация Гоголя — это диалог с современностью. Это не эпатаж — это попытка вернуть театру глубину, сделать его местом, где абсурд не смешит, а заставляет переживать.

Это не авангард ради авангарда — это возвращение к истокам, к тому, что делало Гоголя великим: способность показывать иррациональное через рациональное, смешное через трагическое, обыденное через сверхъестественное.

В конце концов, «Нос» — это не только повесть о потерянном органе, но и о потере самого себя. И если театр может передать эту боль без слов, то значит, он нашёл настоящий язык абсурда — язык тела и света, движения и молчания. И это, пожалуй, самое гоголевское, что можно сделать с его текстом.

Вот такие получились размышления после просмотра эскиза к спектаклю «Нос» в Астраханском драматическом театре и повторного прочтения повести Гоголя. Из текста произведения в постановке на сцене были только слова: «Марта 25 числа случилось в Петербурге необыкновенно странное происшествие». Остальное действо – это тучи пыли, когда со всего маху бросают на стол огромный фолиант, натуральный замес теста, как в видео фудблогеров, томный танец двух влюбленных, которые держат во рту одно яблоко (крепкое попалось яблоко – не съели, пока танцевали!), телодвижения и мимика актёров, изображающих асессора Ковалёва, цирюльника Ивана Яковлевича (цирюльник – это  парикмахер, барбер, кто не знает), подходящий реквизит – пластмассовый нос (и не один), темень и мистика сцены, живой человеческий звук, фортепиано, балалайки и аккордеона). Одним словом, мистерия по классике. Напомним, о чём уже сказали в своих заметках: Пушкин увидел в повести "Нос" «так много неожиданного, фантастического, весёлого и оригинального» и настоял на том, чтобы произведение напечатали в журнале "Современник", когда другие издатели отказывали в публикации. А оценка Пушкина для нас это всё.

Абсурд как язык тела: Гоголь и пластический театр

 «Нос» — сатирическая повесть Николая Васильевича Гоголя, написанная в 1832–1833 годах. Впервые опубликована в 1836 году в журнале «Современник» благодаря поддержке Александра Пушкина, который увидел в произведении «так много неожиданного, фантастического, весёлого и оригинального».

Повесть «Нос»  — одно из самых загадочных и абсурдных произведений русской литературы. На первый взгляд, это пародия на бытописательство, сатира на бюрократию и социальные условности, но на самом деле — это текст, в котором логика рассыпается, как песок сквозь пальцы. Герой, коллежский асессор Ковалёв, теряет нос, который обретает самостоятельное существование, а затем и собственную волю. Что это — всего лишь комический сюрреализм или глубинная аллегория о кризисе личности в обществе, где человек становится рабом правил, обычаев и своекорыстных инстинктов?

Гоголь сам называл свои произведения «вещами, которые не должны быть понятыми, а только почуятыми». «Нос» — это сновидение наяву, где реальность переворачивается, а обыденное становится невероятным. В этой повести абсурд не просто комический трюк, но способ показать искажённость мира, где человек теряет себя среди социальных масок, где даже физический орган (нос!) становится самостоятельной, почти живой сущностью.

Возможно ли воплощение абсурда без слов?

Решимся предположить, что (кстати, об этом говорили во время обсуждения после просмотра спектакля), когда Астраханский драматический театр поставил «Нос» как немое действо, где актёрская игра строится исключительно на пластике, мимике и телодвижении, он поставил перед собой непростую задачу: как передать абсурдную смысловую нагрузку без текста? Ведь Гоголь — мастер слова, его юмор, ирония и сатира живут именно в речевой игре, в каламбурах, в неожиданных поворотах фраз.

Однако театр нашёл выход.

Минимализм декораций (темнота сцены, игра света) создаёт атмосферу сновидения, где границы между реальностью и галлюцинацией стираются.

Пластика актёров становится языком абсурда: резкие движения, застывшие позы, повторяющиеся жесты — всё это может символизировать зацикленность Ковалёва на его потере, его отчаяние, его попытки вернуть потерянное.

«Тяжёлая» музыка и современная песня (вроде бы не к месту включённая в спектакль) добавляют эмоциональной напряжённости, делая абсурд не просто смешным, а трагикомическим, почти философским.

Свет как главный герой — он подчёркивает важные моменты, создаёт иллюзию движения носа, превращая его в самостоятельное существо.

Такой подход позволяет зрителям не логически разобраться, а пережить абсурд. Театр отказывается от рациональных объяснений и предлагает чувствовать, что и требовал Гоголь. Замечу, не всем зрителям понравился спектакль. Было высказано такое мнение: ничего не понял, не успел за действом, не разглядел детали. Заметим, к просмотру спектакля  такого формата  требуется подготовка. Нужно хотя бы прочитать повесть.

Сверхидея постановки. Позволю себе привести несколько найденных мною в Сети возможных интерпретаций замысла режиссёра.

Авангард как способ обновления классики. Гоголь сам был революционером в литературе, разрушившим устоявшиеся жанровые формы. Сегодняшний театр возвращается к его духу: классика переосмысляется через современные визуальные приёмы. Это не просто эпатаж, а попытка показать, что абсурд Гоголя актуален всегда — в эпоху социальных сетей, где личность тоже может «исчезать» за масками, где люди становятся рабами трендов, а физическое и психологическое «Я» раздваивается.

Театр как медитация над потерей идентичности. «Нос» — это история о том, как человек теряет себя в обществе. Сегодня, в эпоху цифровых аватаров и виртуальной реальности, вопрос идентичности более актуален, чем когда-либо. Спектакль без слов заставляет зрителя задуматься: а что, если мы тоже потеряли часть себя? Пластика актёров может символизировать раздвоение личности, её фрагментацию.

Абсурд как метафора современного мира. Гоголь творил в XIX веке, но его абсурд пророчески отражает XXI век: человек становится заложником систем (бюрократии, социальных сетей, потребления); личность растворяется в коллективном безумии (например, вирусные тренды, где люди подчиняются не своим желаниям, а чужому алгоритму); физическое и виртуальное перемешиваются (как нос Ковалёва обретает отдельное существование, так и сегодня часть нас живёт в Интернете). Окончание в следующем посте.

Дерзкий эксперимент на сцене Астраханского драматического театра -- повесть "Нос" почти без слов, через пластику, мимику и телодвижения

В завершение театрального сезона Астраханский драматический театр показал эскиз спектакля по повести Н.В. Гоголя "Нос". 

Это не классическая пьеса с диалогами — здесь пластические фантазии по мотивам повести Н. В. Гоголя. История рассказывается почти без слов: через движения, мимику и пластику тела. Режиссёр и хореограф — Анна Закусова (из Москвы). Проект создан в рамках лаборатории физического театра "АстраЛабиЯ".

Есть анонс на спектакль на всероссийском портале Культура.РФ  https://www.culture.ru/events/6856260/spektakl-nos

Я была на спектакле 25 июня. Показы запланированы также на 21  августа и 9 сентября 2026 года.

Что ещё интересно?
Шесть дней на создание эскиза.

Весь творческий процесс занял всего шесть дней — от первого знакомства режиссёра с труппой до финального показа. Такой сжатый хронометраж был не случайностью, а принципиальной установкой лаборатории.

Анна Закусова начала работу не с готового замысла, а с глубокой теоретической проработки. Артисты вместе с режиссёром разбирали, что такое «нос» для каждого из них. Это исследование стало фундаментом для пластических этюдов.

Физический театр — это такой же театр, как и любой другой. Но главным способом коммуникации со зрителем и внутри команды здесь является тело, телесность и движение. К примеру, очень эффектно передан первый сон Ковалёва -- про любовь.   Эпизод с яблоком — пара двигалась пластично, зажигательно и томно. Закушенное яблоко между ними стало единственной преградой, отсылая к ветхозаветной истории Адама и Евы. Это был намёк на первородный грех, потерю рая и начало человеческой драмы. Показано без пошлости и вульгарности. И очень красиво. 

Слова всё-таки были, но не полностью по тексту, а из критических статей о повести, замечаний автора -- своеобразный "идейно-тематический анализ" этой абсурдной повести Гоголя.

А ещё были элементы шоу (фокусы, например), музыка, которая заставляла  вздрагивать от того, что давила... и другая лирическая, мягкая песня Ваенги (да, да, в спектакле с таким сюжетом звучала современная песня!) в проникновенном исполнении актрисы театра. И тогда сердце замирало в наслаждении.

И наконец то, что меня "зацепило" с самого первого момента после того, как распахнулся занавес. Минимум декораций и затемнение сцены обеспечивали атмосферу таинственности и той самой фантастичности, которая так свойственна повести. Свет играл ключевую роль, расставляя акценты и направляя внимание зрителя, выхватывая важные детали из полумрака. Вот такая    атмосфера   минимализма. 

Заметки написаны на основе материалов из открытых источников. Фото по ссылке https://astrakult.ru/nos-bez-slov-kak-fizicheskij-teatr-prevratil-gogolevskuyu-satiru-v-plasticheskij-son/

По завершении показа состоялся открытый диалог с создателями — уникальная возможность обсудить увиденное, задать вопросы и заглянуть за кулисы творческого процесса. Было интересно. После просмотра, признаюсь, захотелось перечитать повесть. И ещё восхититься дерзостью служителей Мельпомены вот так изобретать разные экзерсисы/эскизы/этюды на потребу зрителям. Кстати, во время обсуждения были и такие высказывания: забавно, но ничего не понятно. Поэтому в следующем посте попытаюсь поразмышлять над повестью после её перечитывания и скорректировать свои впечатления после просмотра спектакля 25 числа.

Дракон в современном мире, или Как победить своего внутреннего монстра

Окончание. Почему Шварц актуален сегодня?

Волшебная сказка Евгения Шварца "Дракон" — это не просто история о чудовище и герое. Это метафора борьбы человека с самим собой, с теми демонами, которые прячутся в наших страхах, сомнениях и внутренних конфликтах. Спектакль Астраханского драматического театра, скорее всего, переосмысливает эту вечную тему в ключе современности: что такое современный Дракон и как его победить?

Кто такой Дракон? Каковы современные образы внутреннего монстра?

В оригинальной пьесе Дракон — это воплощение зла, жадности, разрушения. Но в актуальной интерпретации театра этот персонаж может получиться гораздо ближе к нам.

Во-первых, Дракон как страх и неуверенность. Сегодня мы боимся не столько физического зла, сколько неопределенности, безработицы, одиночества, социальных сетей, которые навязывают нереальные стандарты. Дракон — это то, что не пускает нас жить полноценно, мешая реализовать мечты.

Во-вторых, Дракон как различные социальные установки. Общество, семья, государство иногда становятся теми силами, которые "приковывают" нас к определенным ролям (например: "ты должен быть успешным", "ты не такой, как все"). Дракон — это давление, которому мы подчиняемся, не замечая.

Наконец, Дракон как собственные комплексы. Многие из нас боятся признаться себе в слабостях: "Я не такой умный", "Я не достоин счастья" — это и есть внутренний Дракон, который не дает нам расти.

Как победить Дракона? Уроки спектакля.
В пьесе Шварца победа над Драконом возможна только через смелость и честность перед собой, это свобода и готовность сделать нравственный выбор. В современной интерпретации это может выглядеть так.

Попробовать перестать кормить Демона. Дракон питается нашими страхами, поэтому не нужно постоянно думать о худшем сценарии (это кормит страх), надо меньше сравнивать себя с другими (это кормит неуверенность), не стоит избегать трудностей (это кормит лень).

Спастись мы можем благодаря саморазвитию (книги, курсы, спорт) — чтобы не бояться незнакомых ситуаций, поддержке близких (друзья, семья) — чтобы не чувствовать себя ненужными, своим мечтам и целям — чтобы понимать, ради чего бороться. Дракон силен, пока мы в панике. Когда человек успокаивается и говорит себе: "Я сильнее своих страхов", — победа уже близка.

Шварц писал свою пьесу в 1940-х. Она была направлена против главного зла – гитлеровской идеологии. Однако в этой сказке скрыты всевременные смыслы: беды человека таятся в нём самом, в его страхах и тревогах. Военная угроза заставляет многих бояться смерти и увечья — и Дракон в этом случае становится симптомом тревожности. Социальные сети создают иллюзию идеальной жизни, заставляя чувствовать себя "недостаточным" — это и есть современный Дракон. Экономическая нестабильность побуждает людей жить в постоянном страхе — а страх парализует.

Спектакль в Астраханском драматическом театре показывает, что победить Дракона можно только внутри себя. Никакие внешние обстоятельства не важны, если внутри мы не поменяем свое отношение к жизни.

Далее отнюдь не реклама. А резюме из всего сказанного/написанного. На спектакль стоит пойти для вдохновения — чтобы понять, что даже самые большие страхи можно преодолеть, для самоанализа — чтобы заглянуть в свои внутренние конфликты, для смеха и волшебства, потому что хорошая сказка никогда не устаревает.

Спектакль "Дракон" в Астраханском драматическом театре

В Астраханском драматическом татре состоялась аван-премьера спектакля по фантастической пьесе-сказке Евгения Шварца "Дракон". Аван-премьера — это предварительный показ спектакля. Премьера будет в августе.

Сначала о пьесе Е. Шварца ссылка

«Дракон» был задуман Шварцем ещё в 1939 году и закончен в 1943-м. Шла Великая Отечественная война, и авторский посыл, очевидно, считывался как политический памфлет на гитлеровскую Германию. «Дракон» был издан большим тиражом и рекомендован всеми цензорами к постановке как антифашистская пьеса. Однако Шварц как тонкий писатель, конечно, создавал неоднозначную литературу, и в этой сказке он зашифровал полифонию разных смыслов и аллегорий. Растущую популярность «Дракона» в театральных кругах неожиданно приостановили, и до воплощения на сцене дело долго не доходило.

Судьба пьесы в одночасье стала такой же мистической и загадочной, как в своё время роман Булгакова «Мастер и Маргарита». В период перестройки известнейший режиссёр Марк Захаров экранизировал «Дракона» и во многом ложно интерпретировал восприятие главной темы пьесы как борьбу с собственной властью.

«Дракон» — не так прост, как может показаться с первого взгляда. Количество подтекстов, вторых, третьих планов и разнообразных слоёв в нём очень велико. Самое простое и ошибочное — взглянуть на пьесу как исключительно на политическую. «Дракон» — одно из сложнейших, философских и неоднозначных творений Евгения Львовича Шварца. В основе сюжета — миф о драконе, которого невозможно победить — ибо победитель сам обращается в дракона.

Странствующий герой Ланцелот — рыцарь без кольчуги и меча, но с отвагой в сердце попадает в город, где четыреста лет властвует страшное трехглавое чудовище. Каждый год он забирает самую красивую девушку. Ланцелот вызывает Дракона на бой, побеждает его и освобождает город. Но тут и начинается самое интересное, ибо источником зла оказывается-то был не Дракон, и Ланцелоту предстоит новый бой, в котором уже не помогут ни меч, ни кольчуга.

Главный вопрос, которым задаётся наш театр – что такое сегодняшний Дракон для нас? Режиссёр максимально не пытается политизировать пьесу и решает главный конфликт произведения, как вопрос выбора истинной веры или искажённой, перевёрнутой идеологии. Что такое свобода и где её границы?

Люди, спасённые героем, полагают жизнь под властью Дракона вполне терпимой, каждый надеется, что хуже не будет. Герой с удивлением обнаруживает — для того, чтобы освободить людей, убить дракона недостаточно. Несмотря на всю остроту темы, в пьесе есть место мелодраматической линии Ланцелота и спасаемой девушки Эльзы, а мастерский сатирический текст диалогов Шварца наделяет юмором и иронией все описываемые события.

Спектакль «Дракон» — это первая масштабная работа художественного руководителя театра Владимира Александровича Кузнецова. В постановке занята большая часть труппы театра.

Одна из трёх голов Дракона. Каждую голову играет в спектакле  отдельный актёр

Все три "головы"

Победитель Драконв рыцарь Ланцелот

Фото из открытых источников

Окончание следует. Я была на аван-премьере. В следующем посте делюсь своими размышлениями  после просмотра спектакля.

"Нет повести печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете"

В первый день премьеры балета "Золушка" в Астраханском театре оперы и балета был аншлаг. Все места от партера до самого балкона были заняты. Впрочем, билетов нет на спектакли  на на сегодня, на на завтра. Зрители --   люди разных возрастов, очень и не очень взрослые и даже 12 минус -- совсем юные. Что удивительно: никто из таких не плакал и не капризничал в продолжение всего представления. Во всяком случае  вокруг нас.     

"Золушкой" театр закрывает очередной театральный сезон. Очень красивый спектакль.  В мир волшебства погружаешься  благодаря великолепным декорациям, воспроизводящим то старинный  город, то очарованный лес, то блистательную бальную залу.  Яркие костюмы героев, подчёркивающие индивидуальность каждого. Пластика и виртуозное  исполнение балетных па -- это, как всегда, в нашем театре на высоте.

О   музыке особый разговор. Музыка  к этому балету воспринимается иначе по сравнению с  балетами  других композиторов. Именно так случилось со мной вчера: я    слушала -- и не находилось внутри отклика, не было той гармонии,  которую обычно я ощущаю, слушая симфоническую музыку. Отнесём это на мою  недостаточную  развитость в музыкальном искусстве  (что, отнюдь, не позорно) и прочитаем, что сказал о музыке С. Прокофьева заслуженный   артист России Валерий Воронин -- дирижёр-постановщик, художественный руководитель и главный дирижёр театра.

С.С. Прокофьев совершил свою революцию в балетной музыке, так как структурной единицей в его балетах стал  не танцевальный номер, а музыкальная тема.  Конечно, такой подход  вызывал сопротивление, когда вернувшийся в Советский Союз композитор готовил к постановке балет "Ромео и Джульетта" Даже появилась созвучная строкам Шекспира шутка   о том, что "нет повести   печальнее на свете, чем музыка Прокофьева в балете". 

...Балетная музыка Прокофьева невероятно созвучна нашему времени, технологиям, скорости жизни, неуловимости и полифонической многогранности ощущений.

Музыка "Золушки", конечно, и вызов тоже. Музыка очень непростая с точки зрения её содержательной стороны. Сказка в прочтении Прокофьева получилась философской, взрослой, местами трагичной, пронизанной болью. И это неудивительно. Ведь балет создавался в годы Великой Отечественной войны, в период сильных личных переживания композитора.

Мы постарались, по словам режиссёра, в первую очередь передать красоту музыки Прокофьева  и даже добавили в балет некоторые известные музыкальные темы из других его сочинений, что станет, уверен, приятным сюрпризом  для всех знатоков музыки композитора и не оставит равнодушным ни одно сердце. 

Встреча с журналистами и зрителями накануне премьеры

Вечная комедия о семейных ценностях, любви, рождении детей и счастье самого существования человека на земле

Это добрая, мудрая и светлая история о том, как 70-летний мужчина решил найти молодую жену. Но его взрослый и прагматичный сын пытается ему помешать. Однако жизнь не перехитришь.

Музыкальная комедия с грузинским акцентом. Комедия, в которой присутствует море грузинского неповторимого юмора, музыки, яркие персонажи и декорации, глубокий смысл о дружбе, взаимопомощи, любви и самых тонких человеческих чувствах. В спектакле песни, которые исполняют сами актеры, наполнены глубиной и яркими музыкальными красками. Интрига, которая сохраняется до последней минуты спектакля, заставит зрителя ощутить неповторимое счастье самого существования человека на земле и надежду на то, что будущее за хорошими людьми и добрыми делами. Это вечная комедия, которую можно смотреть бесконечно. Источник

Я по-прежнему хожу в театр на все премьеры наших театров и спектакли театров из других городов, но перестала делиться своими впечатлениями об этих походах с читателями своего блога. По разным  причинам. Может, чаще всего из-за насыщенности моей жизни всякими делами. Однако не  могу не сообщить о постановке "Невеста из Имеретии" Новороссийского городского театра, которую посмотрела в Астраханском ТЮЗе на этой неделе. Мои ощущения полностью совпали с тем, как  это описано в заметке, которую я нашла на портале Культура.РФ. Умиротворяющие, добрые чувства остались после этого спектакля. Зрители, стоя, долго аплодировали артистам.

Опера "Пиковая дама": премьера на сцене Астраханского театра оперы и балета

В течение трёх дней: 27, 28 февраля и 1 марта на Большой сцене Астраханского театра оперы и балета в постановке оперы «Пиковая дама» выступали приглашённые солисты Большого и Мариинского театров, Московского Академического театра им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко.

Герман - Кирилл Матвеев — солист Московского Академического Музыкального театра им. К.С. Станиславского и В.И. Немировича-Данченко (г. Москва). Сергей Поляков — солист Государственного Академического Большого театр России (г. Москва).
Лиза - Дарья Филиппова — солистка Новосибирского государственного академического театра оперы и балета (НОВАТ) .
Граф Томский - Евгений Никитин — солист Мариинского театра, Заслуженный артист РФ (г. Санкт-Петербург).
Чекалинский - Александр Тимченко — солист оперной труппы Мариинского театра (г. Санкт-Петербург).
Сурин - Олег Бударацкий — солист Урал Оперы (г. Екатеринбург).
Также все премьерные дни в постановке «Пиковой дамы» были задействованы солисты нашего театра оперы и балета.
Над новой постановкой «Пиковой дамы» работают известные в нашей стране и на международном уровне специалисты.
Дирижёр-постановщик — Валерий Воронин, заслуженный артист РФ, художественный руководитель и главный дирижёр Астраханского государственного театра оперы и балета. Режиссёр-постановщик — Юрий Александров, народный артист РФ (г. Санкт-Петербург). Художник-постановщик — Вячеслав Окунев, Народный художник РФ (г. Санкт-Петербург). Хореограф-постановщик — Юрий Клевцов, Народный артист РФ, главный балетмейстер Астраханского государственного театра Оперы и Балета. Хормейстер-постановщик — Евгений Кириллов, заслуженный деятель искусств Республики Северная Осетия-Алания, и.о. главного хормейстера.

💢 Мне удалось побывать на представлении. Немного беспокоила длительность действия – три с половиной часа с двумя антрактами. Первое действие показалось тяжеловатым и даже скучным. Однако дальше всё пошло так динамично и увлекло, что время пролетело незаметно. Но не только о своих впечатлениях мне хотелось рассказать после оперы.

Мы нередко осуждаем постановки классики на современный лад с вызывающими спецэффектами, голыми телами и откровенными сценами, которые ничего нового не добавляют в старинный шедевр, а вредят ему и обращают светлое и нравственное в пошлятину и хамство.

Однако переделки пьес были и раньше. К примеру, так было и с «Пиковой дамой» Пушкина. Либретто к опере Чайковского написал его младший брат Модест Ильич, который изменил пафос пушкинской драмы.

Пушкин в своей повести отразил атмосферу петербургского общества 1830 годов с его страстью к карточной игре, создал психологический портрет человека, одержимого жаждой обогащения, исследовал тему рока и возмездия (три карты как символ неизбежного наказания), затронул тему социального неравенства (Лизавета Ивановна – бедная несчастная воспитанница выжившей из ума графини).

Либретто оперы написано по мотивам одноимённой повести Пушкина.

Лиза из бедной воспитанницы превратилась в богатую внучку графини. Пушкинский Германн — холодный, расчётливый эгоист, охваченный одной лишь жаждой обогащения, — предстаёт в музыке Чайковского как человек с огненным воображением и сильными страстями.

Различие общественного положения героев внесло в оперу тему социального неравенства. 

Германн — жертва этого общества: стремление к богатству незаметно становится у него навязчивой идеей, заслоняющей любовь к Лизе и приводящей его к гибели.

Некоторые другие отличия. Произведение Пушкина — прозаическое, либретто — стихотворное, причём со стихами не только либреттиста и самого композитора, но также Державина, Жуковского, Батюшкова. Введено новое лицо – князь Елецкий. Граф Томский, родство которого с графиней в опере никак не отмечено, а у Пушкина — её внук. Действие драмы Пушкина происходит в эпоху Александра I, тогда как опера переносит действие в екатерининскую эпоху.

Финалы драмы у Пушкина и Чайковского различны: у Пушкина Германн, хотя и сходит с ума, всё же не умирает, а Лиза, более того, сравнительно благополучно выходит замуж; у Чайковского — оба героя погибают.

И такой поворот в изменении первоисточника, как мне кажется, вполне уместен. Опера увлекает и завораживает. И в ушах звучит невольно:

Тройка, семёрка, туз… Уж полночь близится, а Германна всё нет…

Что наша жизнь - игра,

Добро и зло, одни мечты.

Труд, честность, сказки для бабья,

Кто прав, кто счастлив здесь, друзья,

Сегодня ты, а завтра я...

Рождественский бал в Опере

Были на гала-концерте в Астраханском театре оперы и балета "Рождественский бал в Опере". Блистательно, великолепно! Как на настоящем балу. Музыка, танцы, сверкание огней, восхитительные наряды и декорации, воссоздающие на сцене грандиозный зал с громадными люстрами,  мощными колоннами и оркестр в глубине сцены.

Увертюры, арии, каватины, баркаролы и куплеты из оперетт "Севильский цирюльник", "Весёлая вдова","Прекрасная Елена", "Королева чардаша" и др. Музыка и исполнение, которые заставляют  замереть на минуту, а потом восхититься сполна.

Хороший у нас театр. Большой. И прекрасная в нём труппа. Мастера вокала, танца, миманса. Отличный оркестр.

Концерт группы "Самоцветы" в Астрахани: магия старых песен оживила зал. И кое-что об особенностях национальных русских песен

 28 октября 2025 года в Астраханском Театре юного зрителя прошёл потрясающий концерт группы "Самоцветы". Аншлаг был полным — зал был забит под завязку, и атмосфера была невероятной. "Самоцветы" — это легендарная группа с богатой историей, известная своими хитовыми песнями ещё с советских времён. Её репертуар состоит из "старых" песен, но, что удивительно, почти весь зал знал их наизусть и пел вместе с артистами! Это было настоящее единение: люди разных поколений объединились в хоре, и энергия просто заряжала.

А теперь давайте порассуждаем: почему национальные/старинные и советские русские песни так цепляют душу? Их знают ВСЕ — от бабушек (тут уж все непременно!) до школьников (к сожалению, далеко не все). Можно петь их хором, особенно во время застолья, и получать огромное удовольствие. В чём секрет? В мелодиях, которые запоминаются с первого раза, в словах, полных смысла и эмоций, в пафосе, который поднимает настроение, и в том особом чувстве единения, когда все поют вместе. Это не просто музыка — это часть нашей культуры, которая объединяет и дарит радость. А вот современные песни часто разочаровывают: убогие по содержанию, с бедным словарём, где слова не разобрать из-за ритма или автотюна (специальная обработка вокала, которая исправляет неточные ноты и интонацию). Они быстрые, но пустые — слушаешь и забываешь. В отличие от них русские песни живут десятилетиями и передаются из поколения в поколение.

Кстати, опубликован перечень патриотических песен, рекомендованных для изучения в школе. В их числе, например, такие.

"С чего начинается Родина" В. Баснера и М. Матусовского. Классика, с запоминающейся мелодией и глубокими словами о том, что Родина начинается с малого — с картинки в букваре, хороших товарищей, со старой отцовской будёновки, с доброты. Песня учит ценить простые вещи и объединяет в чувстве любви к Родине.

"День Победы" Д. Тухманова и В. Харитонова --  патриотический гимн о Великой Отечественной войне, с мощным пафосом и мелодией, которую знает каждый. Развивает историческую память и чувство гордости — петь её вместе особенно трогательно в День Победы.

"Как прекрасен этот мир" – тех же авторов, которые создали «День Победы». Лиричная песня о красоте природы и жизни, с нежной мелодией и позитивными словами. Помогает ценить окружающий мир, развивает воображение и эмоциональную грамотность — отличная для экологических тем.

"Флаг моего государства" Д. Майданова. Современная песня о символе России — трёхцветном флаге, с энергичной мелодией и текстом, полным гордости за страну, её историю и будущее. Слова подчёркивают единство, силу и веру в Россию, мотивируя ценить традиции. Для школьников это урок патриотизма: развивает эмоциональную связь с родиной, историческую память и коллективное пение — петь её хором особенно мощно и запоминающе. Идеально для праздников или уроков обществознания, чтобы напомнить о важности символов и общности.

"Моя Россия" Я Дронова. Современный хит о любви к родине, с энергичной мелодией и понятным текстом о единстве и гордости. Мотивирует на размышления о будущем, сочетая традиции с современностью — здорово для патриотического воспитания.

Эти песни — настоящая сокровищница, которая возвращает к глубине смыслов  и мелодии.

Советские песни учат истории, культуре и коллективному пению — это развивает память, голос и чувство общности. Современные, хоть и проще, помогают понять, как музыка эволюционирует, и мотивируют создавать своё. Вспомнить  настоящее песенное искусство — это здорово. Оно возвращает нас к корням, повышает культурный уровень, учит ценить глубину и мелодию, а не только шум. В школе это может стать частью уроков музыки или внеклассных мероприятий — давайте петь вместе и наслаждаться. Что думаете, какую песню споём на следующем сборе? Делитесь идеями.

Мы в МАКСе 

Вечно живая и актуальная классика

 В прошлую субботу в Астраханском Театре юного зрителя состоялась премьера комедии А.С. Грибоедова «Горе от ума». Постановка приурочена к 230-летию поэта, драматурга, дипломата, музыканта. Столько разных талантов выпало на долю этого незаурядного человека.

Я была на премьере и сразу скажу: мне очень понравилось увиденное действо. Сильная актёрская игра, тщательно проработанные образы персонажей, настоящие, живые декорации (то есть двери так двери, зеркала так зеркала и совершенно необычный – прозрачный стул на сцене), мастерски поставленная декламация артистов – всё это не могло   не произвести благоприятное впечатление. О языке бессмертного произведения – и говорить нечего. Вся пьеса слово в слово прозвучала со сцены. И это – просто замечательно!

Роль Фамусова блестяще исполнил народный артист РФ Сергей Мартемьянов. Колоритны были в своих ролях молодые артисты – выпускник Щукинского театрального института Сергей Покопцев в роли Чацкого и актриса театра Дарья Талбонина в роли Софьи. Поставила спектакль столичный режиссёр Елена Одинцова.

Ближайшие показы состоятся в ТЮЗе 1 и 7 ноября, не пропустите, это нужно видеть.

Решившись написать этот пост, я поставила перед собой цель не только сообщить , что вот посмотрела спектакль и как он мне понравился.

Друзья, пьеса Грибоедова "Горе от ума" — не просто классика, а зеркало нашего времени! В эпоху соцсетей, карьеризма и фейковых новостей её темы звучат острее, чем когда-либо. Чацкий борется с лицемерием и консерватизмом, а Фамусов и Молчалин олицетворяют пороки, которые мы видим вокруг: лесть ради выгоды, сплетни и пустословие.

Вот цитаты, которые бьют по современным болячкам:

"Служить бы рад, прислуживаться тошно" — против карьеризма через подхалимство, как сегодня в офисах или в инсте.

"Дома новы, но предрассудки стары" — о том, как технологии меняют мир, а предубеждения остаются (например, стереотипы в соцсетях).

"Ах, злые языки страшнее пистолета" — сплетни и троллинг в сети, которые рушат репутации.

Спектакль в Астраханском ТЮЗе — потрясающий! Актёры оживили текст: Чацкий — бунтарь. Но кому он проповедует свои истины? И ясно, что не найдёт он место, «где оскорблённому есть чувству уголок». Кричи не кричи: «Карету, мне карету!»  Фамусов — защитник всех прелестей «века минувшего»: подхалимства, карьеризма, лести, сплетен и пустословия – очень яркий персонаж  в исполнении мэтра. Он ещё и заботливый отец. Что тоже очень современно («ну, как не порадеть родному человечку»  и  «что станет говорить княгиня Марья Алексевна»). Режиссура добавила свои штрихи (музыка, костюмы, реквизит), и пьеса прозвучала современно.

 Что думаете, актуально ли это для нас? Делитесь в комментариях.

Тайна Белого лотоса

«Тайна Белого лотоса» — спектакль Астраханского театра кукол, созданный по мотивам пьесы Рагима Мусаева. В его основу легли древние былины, сказания и легенды Астраханского края. 

Сюжет: главный герой отправляется в путешествие за волшебным Белым лотосом — символом чистой любви. На его пути встретятся мифические силы природы: Огненное солнце, Вольный ветер, Могучая Волга. Чтобы завоевать сердце возлюбленной, герою предстоит пройти испытания, жертвуя силой и молодостью. 

Главный герой пьесы молодой хан Байман в поисках настоящей любви, отдаёт за неё всё: красоту, богатство, молодость -- и обретает способность любить сердцем. Как сказал после спектакль Миша, один из пятиклассников: "Я понял, Валентина Васильевна, что любовь лучше богатства и власти".

Удовольствие от спектакля получили и взрослые. Ребята были на спектакле с мамами и папами. Вот такая у нас вышла театральная суббота.

А в чём же тайна Белого лотоса? Он из белого, обагрённый кровью хана, превратился в бело-розовый и на месте, где его нашёл Байман, возникла Астрахань. Астра -- звезда, возлюбленная  хана и он -- хан Байман соединились вместе. Тот первый лотос породил лотосные поля, которые украшают  дельту Волги, являются  чудесным символом нашего края.

Сцена из спектакля. Из Интернета

"Рассказы о любви": премьера в Астраханском драматическом театре

Вчера были в Астраханском драматическом театре на премьере спектакля "Рассказы о любви"

Литературной основой спектакля стали рассказы Василия Шукшина «Раскас», «Степкина любовь», «Беспалый», «Сапожки», «Осенью». Перед зрителями развернутся пять историй людей советской эпохи, полных ярких человеческих эмоций и переживаний.

Очень понравилось. Возвращение к традиционным постановкам, когда актёры играют обычных людей со всеми их страстями и переживаниями. И у них это получается хорошо, по Станиславскому; веришь тому, что происходит на сцене.

Пожалуй, Шукшин для меня раскрылся по-новому. Стоит перечитать его рассказы.

Театр — один из древнейших видов искусства

27 марта – Международный день театра 🎭

🎭 Ежегодно 27 марта весь мир чествует театр — один из древнейших видов искусства, в котором до сих пор продолжается живой разговор между артистом и зрителем. Всемирный день театра — не просто профессиональный праздник для актеров и режиссеров. Это дата, когда вспоминают о значении сцены в жизни общества, пересматривают любимые постановки и идут в театр всей семьей.
🔖 История праздника: Всемирный день театра установлен в 1961 году по инициативе делегатов IX конгресса Международного института театра (МИТ) при ЮНЕСКО (Организация Объединённых Наций по вопросам образования, науки и культуры). Инициативу поддержали сразу — ведь театр существует столько же, сколько и сама культура. Он отражает дух эпохи, рассказывает о людях через эмоции, жесты и диалоги.
🔖 Что означает театр сегодня: В 2025 году театр — это уже не только классические пьесы Чехова, Островского или Шекспира. Это эксперименты на малых сценах, уличные постановки, современная драма, документальный театр, музыкальные шоу и даже цифровые проекты в формате онлайн-спектакля.

Интересные факты:

🎭 Первый театр появился в Древней Греции. Театральные представления проводились на открытом воздухе, а актерами были только мужчины.

🎭 День театра отмечается более чем в 100 странах. И это не только профессиональный праздник, но и культурное событие для всех, кто любит сцену — от школьников до пенсионеров.

🎭 Символ театра — маски Комедии и Трагедии. Они пришли из древнегреческих традиций, где актеры надевали маски для обозначения разных ролей и настроений.

🎭 В России этот день часто сопровождается премьерами. 27 марта театры специально приурочивают новые спектакли или устраивают показ самых популярных постановок сезона.

🎭 Самый старый театр России — Александринский. Он был открыт в Санкт-Петербурге в 1756 году и до сих пор остается одной из главных театральных площадок страны.

🎭 В некоторых странах проходят капустники. Это веселые, часто импровизационные спектакли, которые актеры играют друг для друга — в полушутливой форме вспоминают курьезы из жизни театра.

✨ Сила театра— в живом контакте, который не заменить ничем.

Источник

Астраханские театры

Театр оперы и балета

Астраханский драматический театр

Театр юного зрителя

"Кто же он? стало быть подлец?" Спектакль "Мёртвые души" на сцене Астраханского ТЮЗа

 Вчера наша школа была в театре. Смотрели в ТЮЗе постановку "Мёртвых душ".

Спектакль в одном отделении, продолжительностью час. Режиссёром был взят за основу один эпизод из поэмы Н.В. Гоголя -- визит Чичикова к Коробочке. Однако в это ограниченное пространство и время было вложено  многое из всего произведения: и образы некоторых помещиков, и история главного героя, и несколько лирических отступлений, и фрагмент из финала о птице-тройке. Любопытно, даже удивительно то, что в спектакле было занято всего пять актёров -- четверо мужчин и женщина. Их роли постоянно менялись: то они были Собакевичем, Маниловым и Ноздрёвым, то Селифаном, то конями той самой тройки.. Фактурна была и актриса в роли Коробочки и девчонки, которую она даёт проводить Чичикова.

Разумеется, замечательно звучал со сцены и из динамиков гоголевский текст. Лаконичное оформление сцены и то, что всякий предмет на ней мог перевоплотиться в любой реквизит, -- это тоже производило должное впечатление.

Спектакль нам понравился -- и взрослым, и детям. Конечно, девятиклассники уже "прошли" поэму на уроках литературы, однако им , как они отозвались, было интересно следить за происходящим на сцене, узнавать знакомые фрагменты из прочитанного. Восьми- и семиклассникам -- это урок на будущее.

На злобу дня работает наш ТЮЗ, радуя интересными  постановками, просвещая зрителей, помогая учителям литературы в пропаганде русской классики.

Фотографии Руслана Кондрашина.

Цитата из поэмы "Мёртвые души"

Кто же он? стало быть, подлец? Почему ж подлец, зачем же быть так строгу к другим? Теперь у нас подлецов не бывает, есть люди благонамеренные, приятные, а таких, которые бы на всеобщий позор выставили свою физиогномию под публичную оплеуху, отыщется разве каких-нибудь два, три человека, да и те уже говорят теперь о добродетели. Справедливее всего назвать его: хозяин, приобретатель. Приобретение – вина всего; из-за него произвелись дела, которым свет дает название не очень чистых. Правда, в таком характере есть уже что-то отталкивающее, и тот же читатель, который на жизненной своей дороге будет дружен с таким человеком, будет водить с ним хлеб-соль и проводить приятно время, станет глядеть на него косо, если он очутится героем драмы или поэмы. Но мудр тот, кто не гнушается никаким характером, но, вперя в него испытующий взгляд, изведывает его до первоначальных причин. Быстро все превращается в человеке; не успеешь оглянуться, как уже вырос внутри страшный червь, самовластно обративший к себе все жизненные соки.

Он был влюблён в театр

 Юрий Карлович Олеша (19 февраля (3 марта) 1899, Елисаветград — 10 мая 1960, Москва) — русский советский писатель, киносценарист, поэт и драматург, журналист. Одна из ключевых фигур одесского литературного кружка 1920-х годов.

Родился в семье обедневших белорусских дворян. В 1910 году Юрий поступил в Ришельевскую гимназию в Одессе, где преуспел в учёбе и окончил её с золотой медалью. После этого он провёл два года в Одесском (Новороссийском) Университете, но в 1919 году бросил учёбу.

В 1922 году, после отъезда родителей, Олеша переехал в Москву, писал фельетоны и статьи, подписывая их псевдонимами Зубило и Касьян Агапов. Эти произведения публиковались в отраслевой газете железнодорожников «Гудок».

В 1924 году Олеша написал своё первое большое прозаическое произведение — роман-сказку «Три толстяка», который был опубликован лишь четыре года спустя.

В 1936 году на публикацию произведений Олеши и упоминание его имени в печати был наложен запрет, снятый властями только в 1956 году.

"Маленькие трагедии" Александра Сергеевича Пушкина. Спектакль-репетиция

 К 225-летию со дня рождения Александра Пушкина в Астраханском театре юного зрителя состоялась премьера спектакля «Маленькие трагедии» режиссера Андрея Радочинского.

https://rutube.ru/video/d8ababd11096f560d7cf521a9f7d1ab0/?r=plwd видео с эксклюзивным интервью с актрисами театра.

24 октября я была на предпремьерном показе спектакля, который поразил  масштабностью декораций и блестящей игрой актеров. Отзывы у зрителей исключительно положительные. Актрисы спектакля Ксения Волошина и Лия Альмяшева рассказали в эксклюзивном интервью о своих ролях, о спектакле в целом и пригласили зрителей на яркие премьеры ТЮЗа.

В основу спектакля легли четыре трагедии одноименного пушкинского цикла: «Моцарт и Сальери», «Каменный гость», «Скупой рыцарь», «Пир во время чумы». Небольшие, но грандиозные «Маленькие трагедии» знаменитого драматурга и поэта несколько веков будоражат творческие умы. Они вскрывают природу человеческого греха на составные части, называя это «опытом драматических изучений». Нет лучше места для творческих экспериментов, чем театр. На сцене поднимутся вопросы поиска смысла существования, настоящего счастья, жизни и смерти.

«Форма репетиции в спектакле «Маленькие трагедии» была выбрана не случайно. Мы искали способ, как сделать динамичным, как сделать сценическим такое понятие как размышление. Чтобы это не стало просто отвлеченной философской беседой самим с собой. Был найден такой ход, когда в нашем спектакле зритель становится свидетелем проб. Такая открытая форма поиска или, как мы назвали, опытов драматических изучений», - отметил режиссер спектакля Андрей Радочинский.

Играют в «Маленьких трагедиях» заслуженный артист Астраханской области Дмитрий Юницкий, Евгений Пшеничный, Ванда Блинова, Александр Ботяновский, Кирилл Соболев, Евгений Зворыкин, Михаил Сабитов, Ксения Волошина, Андрей Киевский, Антон Бебин, Лия Альмяшева. Художником-постановщиком стала Оксана Столбинская из Санкт-Петербурга, за костюмы отвечает Татьяна Колесникова, художник по свету – Алексей Попов из Москвы, хореография на Ольге Эктовой.

Источник: https://bloknot-astrakhan.ru/news/malenkie-tragedii-1787218

Мне понравилось в спектакле всё.

"...в его сценах много наблюдений над русской душой"

 Ива́н Фёдорович Горбуно́в (10 [22] сентября 1831[1], с. Ивантеевка (Копнино) Московского уезда Московской губернии — 24 декабря 1895 [5 января 1896], Петербург) — русский прозаик, мемуарист, актёр. Мастер исполнения устных рассказов.

Биография Горбунова тесно сплетается с разночинскими группами 1860-х гг. Особое значение для Горбунова имело его сближение (1853) с Островским и вообще всей «молодой редакцией» славянофильского «Москвитянина». Рассказы и сцены Горбунова целиком входят в общий стиль натурализма 1860-х гг. С 1877 года был членом-корреспондентом общества любителей древней письменности.

Горбунов прославился и как актёр. В 1854 году состоялся его актёрский дебют в московском Малом театре. С 1856 года он был включён в труппу Александринского театра в Петербурге. Там и числился до самого конца жизни. За 40 лет он сыграл 54 роли, главным образом в пьесах Островского (Кудряш — «Гроза», Пётр, 1-й исполнитель, — «Лес», Афоня — «Грех да беда на кого не живёт») и в собственных пьесах.

Широкую известность Горбунову принесло исполнение своих рассказов на сценах театров и в благотворительных концертах по всей России. Популярность Горбунова была огромна. Его творчество любили и крестьяне, и три последних императора. Юмор горбуновских рассказов «рассыпался по всей России и вошел в поговорки, в пословицы»[4].

И. Ф. Горбунов был большим поклонником алкогольного напитка лампопо. Он не только посвятил ему несколько произведений[5], но даже основал и возглавил «Общество лампопистов»[6]. Мало того, благодаря Горбунову в московских трактирах даже стали подавать лампопо по особому рецепту — «лампопо по-горбуновски». Источник

Достоевский писал о Горбунове: 

«в его сценах много чрезвычайно тонких и глубоких наблюдений над русской душой и русским народом»

⧫Знаток русской песни, Горбунов сообщил М. П. Мусоргскому песню «Исходила младёшенька», которая (песня Марфы) стала одной из самых ярких страниц оперы «Хованщина».

Изображён в образе шута на картине Константина Маковского «Смерть Ивана Грозного» (1888).

Две коленопреклоненные фигуры у кресла Грозного — шут (слева) и заграничный лекарь (справа). Для шута позировал известный в своё время писатель и актёр, представитель литературно-сценического жанра устного рассказа, И. Ф. Горбунов. 

Закрытие сезона. Балет "КаренинА"

 В пятницу отметилась на закрытии сезона в театре оперы и балета. Давали премьерную постановку балета "КаренинА". Я не очень хорошо разбираюсь в балетных премудростях, и поэтому мне порой было трудно  соотнести танец с сюжетом романа Л.Н. Толстого. Однако впечатление всё-таки осталось неплохое. В балете была использована музыка разных композиторов. Получилось слаженно и красиво. Я не устаю повторять: у нас очень хороший оркестр и мастер-дирижёр.

В общем, очередной театральный сезон завершён. Я люблю театр, поэтому стараюсь получить удовольствие всякий раз от посещения храма Мельпомены. 

30 и 31 августа труппа  театра готовится показать оперу С. Даргомыжского "Русалка". Как всегда у нас  осенью, на открытом воздухе. На Соборной площади Астраханского кремля.

С актёрами в образах Анны и Вронского можно было сфотографироваться в фойе театра.

Великий писатель однажды был в Астраханской губернии, проездом, по дороге на Кавказ. Почти 150 лет спустя герои его романа «Анна Каренина», в исполнении артистов театра оперы и балета, на языке современного хореографического танца представят на астраханской сцене психологию драмы, внутренние переживания героев, их страсть и гибель из-за любви.

Воплотить великий роман на астраханской сцене взялась балетмейстер-постановщик из Санкт-Петербурга, заслуженная артистка России, лауреат профессиональной балетной премии «Душа танца», лауреат Высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой софит» Вера Арбузова. «Это моя авторская хореография, мне кажется, что в этом спектакле всем его участникам можно дать волю чувствам, эмоциям, пластическому выражению той драмы, которая соответствует содержанию произведения», - отметила балетмейстер-постановщик.

О постановке можно прочитать здесь

И вновь премьера...

 В мае этого года исполнилось 100 лет со дня рождения Булата Окуджавы.  В честь этой даты на летней площадке Астраханского драматического театра вчера состоялся вечер-чаепитие "Мы прожили целую жизнь. Я жил впервые". Вечер памяти прошёл в воссозданной атмосфере 80-х годов 20-столетия

Перед зрителями, уютно расположившимися за длинными столами с горячим чаем и сушками, актёрами была представлена жизнь поэта-барда, чьи песни и стихи старшее поколение знает наизусть, помнит и поёт до сих пор.

Заслуженный артист России Павел Ондрин сыграл Булата Окуджаву. В действе, происходящем на сцене и среди зрителей, были  заняты почти все артисты труппы. Они читали стихи, пели песни барда, рассказали его сложную и неоднозначную  биографию. Многие факты из жизни и творчества поэта оказались для меня, в частности, внове.